Généralités sur l'art
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Winnaretta Singer-Polignac ; princesse, mécène et musicienne
Sylvia Kahan
- Les presses du reel
- Histoire De L'art
- 1 Avril 2018
- 9782840662686
La vie et l'oeuvre de la Princesse de Polignac, qui consacra sa fortune aux arts, aux sciences et aux lettres, et dont l'influence sur le monde musical et littéraire du XXe siècle est incommensurable.
Américaine de naissance, Winnaretta Singer (1865-1943) était millionnaire à l'âge de dix-huit ans, héritière d'une part conséquente de la fortune des machines à coudre Singer. Son mariage en 1893 avec le prince Edmond de Polignac, compositeur aristocrate, lui a ouvert les portes de l'élite de la société française. Après le décès de son mari en 1901, Winnaretta a mis sa fortune au service des arts, des sciences et des lettres.
Son domaine de prédilection était la musique. Elle a subventionné de nombreux artistes (N. Boulanger, C. Haskil, A. Rubinstein, V. Horowitz...) mais aussi de grandes formations artistiques (les Ballets russes, l'Opéra de Paris, l'Orchestre symphonique de Paris...). Passionnée par la musique moderne, elle a commandé de nouvelles oeuvres à des compositeurs alors inconnus, pour qu'elles soient jouées dans son salon musical. La liste des oeuvres créés pour elle est aussi longue qu'extraordinaire : Renard de Stravinsky, Socrate de Satie, El Retablo de Maese Pedro de Falla et le concerto pour deux pianos de Poulenc figurent parmi les titres les plus connus.
Son salon était, en outre, un lieu de rendez-vous pour les grands visionnaires de la culture française tels que Proust, Cocteau, Monet, et Diaghilev. Colette, grande amie de la maison, y préparait souvent son célèbre vin chaud. Nombre des descriptions de salons musicaux dans l'oeuvre de Proust ont été directement inspirées par les concerts qui avaient lieu chez la princesse de Polignac.
Sylvia Kahan donne vie à cette femme hors normes, dont l'amour pour les arts a eu une influence incommensurable sur le monde musical et littéraire du XXe siècle.
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Les écrits et correspondances, pour la première fois disponibles dans leur ensemble en français, du peintre, sculpteur, décorateur de théâtre, scénographe et chorégraphe allemand (1888-1943), acteur essentiel du Bauhaus.
Écrits intimes d'un peintre et d'un chorégraphe visionnaire, les Lettres et journaux d'Oskar Schlemmer sont restés longtemps inédits en français, à l'exception de fragments traduits par Éric Michaud en 1978.
S'ils dévoilent peu de choses sur sa vie personnelle, l'un de leurs premiers attraits est de nous faire pénétrer au sein du Bauhaus, dont Schlemmer fut l'un des acteurs essentiels, et de révéler les relations d'enseignement et de pouvoir qui s'y tissaient. Ils consignent surtout le dialogue intense et soutenu que, sa vie durant, Schlemmer a entretenu avec lui-même à propos de ses créations, de ses angoisses, de ses contradictions, de ses espoirs. Ils ouvrent une nouvelle perspective pour appréhender cet artiste protéiforme.
La présente traduction des Lettres et journaux d'Oskar Schlemmer est conforme à l'édition des Briefe und Tagebücher de Tut Schlemmer parue en 1958.
« Le noyau de mon être - mon intimité même - est enclos dans une coquille déposée par le monde extérieur. Mon art est sans doute ce qui reflète le mieux ce noyau. Car c'est précisément dans la Forme que ce noyau, invisible et non su, se présente. » (Lettre à Tut, 12 novembre 1919) « Si les nazis prennent le pouvoir, faudra-t-il se retirer dans les forêts de Bohême, ou bien entrerons-nous directement dans la prochaine guerre ? » (Lettre à O.M., 1er décembre 1930) « Né le 4 septembre 1888 à Stuttgart, d'une mère Souabe de Heidenheim dans le Wurtemberg et d'un père de la Hesse Rhénane à Mainz. (De mon père sans nul doute le goût du théâtre et du carnaval, de ma mère la réflexion et le sérieux qui se traduisent ensuite en peinture). Un semestre à l'École des arts décoratifs de Stuttgart, puis l'Académie. Entre-temps, une année à Berlin. Rencontre avec l'art moderne : le Blaue Reiter et le Sturm. À Stuttgart, suite à cette rencontre, débat et conversion. - Débuts du Ballet Triadique. - Ouverture d'une galerie de peinture rue du Neckar. - La guerre ! - Une demi année à l'Académie. Bas reliefs et sculptures. - 1922 : première représentation du Ballet Triadique à Stuttgart. Décembre 1920 : nomination au Bauhaus d'État à Weimar par Walter Gropius (en même temps que Paul Klee). D'abord peinture murale. Plus tard atelier du métal, puis sculpture sur bois et sur pierre. - Pour l'exposition de 1923 : décoration en peinture et sculpture du bâtiment des ateliers. Première démonstration sur de grandes surfaces et dans un vaste espace. Variations sur le thème de l'Homme sous forme de peintures, lignes, surfaces, reliefs, métal, etc. » Oskar Schlemmer (Autobiographie, 1923)
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Feminine futures ; Valentine de Saint-Point ; performance, danse, guerre, politique et érotisme
Adrien Sina, Collectif
- Les presses du reel
- 15 Novembre 2011
- 9782840663515
Un réexamen du rôle des avant-gardes féminines dans le champ de la performance et de la danse : une publication somptueuse avec plus de 2500 illustrations en couleur, ensemble de documents autour de Valentine de Saint-Point, de Marinetti, du futurisme, de Canudo, des Ballets Russes, de l'expressionnisme allemand et américain (photographies, lettres manuscrites, dessins, gravures, manifestes, éditions originales et programmes).
Focalisée sur un réexamen du rôle des avant-gardes féminines du début XXe siècle dans le champ de la performance et de la danse, la première étape de l'exposition Feminine Futures, conçue par Adrien Sina, a lieu à la Biennale Performa de New York en 2009, à l'Italian Cultural Institute. Structurée autour d'une collection personnelle unique, elle comprend d'innombrables oeuvres inédites dont une partie a été présentée dans le cadre de l'exposition Danser sa vie, au Centre Georges Pompidou en 2011-2012.
Le retour à la source à travers des documents photographiques, filmiques ou manuscrits en partie inconnus des historiens de l'art et des collections publiques, permet de franchir une nouvelle étape dans la recherche des prémices de la modernité dans ces zones peu explorées des actions éphémères qui laissent peu de traces matérielles.
Nous sommes là aux origines de la performance et des pratiques pluridisciplinaires qui ont inspiré plusieurs générations d'artistes tout au long du siècle dernier jusqu'à aujourd'hui. Une matrice incontournable reste ici à explorer pour le décryptage des dissidences et des innovations sans lesquelles l'art au féminin n'aurait jamais eu sa propre histoire - insoumise à l'hégémonie des « ismes » initiés par des artistes au masculin.
Une convergence exceptionnelle est née de la rencontre entre la danse, le mouvement, l'expression corporelle et la photographie. De véritables stratégies artistiques sous-tendent les procédés techniques et leurs qualités picturales spécifiques pour asseoir dans la mémoire collective des univers de création novatrice. Les pièces photographiques de Feminine Futures sont aussi un témoignage précieux de l'histoire de la photographie. Un demi-siècle de mutation, entre les années 1890 et 1940... Du papier albuminé, des bromures d'argent ou de radium aux épreuves argentiques, des palettes chromatiques à chimie évolutive se développent jusqu'à l'autodestruction de la matière visible.
Des sommets de maestria plastique et artistique sont atteints dans des collaborations entre photographes et chorégraphes comme Isaiah West Taber ou Harry C. Ellis avec Loïe Fuller, Hixon-Connelly ou Herman Mishkin avec Vera Fokina et Anna Pavlova, Lou Goodale Bigelow ou Nickolas Muray avec Ruth St. Denis, Isadora Duncan et Arnold Genthe, Charlotte Rudolph ou Hugo Erfurth avec Mary Wigman et Gret Palucca, Barbara Morgan et Chris Alexander ou encore Isamu Noguchi avec Martha Graham, Maurice Seymour ou Siegfried Enkelmann avec Ruth Page et Harald Kreutzberg...
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Plumes et pinceaux ; discours de femmes sur l'art en Europe (1750-1850) t.1 ; essais
Mechthild Fend, Melissa Hyde, Anne Lafont, Collectif
- Les presses du reel
- 5 Juin 2012
- 9782840664574
La littérature artistique féminine : une histoire collective et transnationale des discours des femmes sur l'art, notamment français, aux XVIIIe et XIXe siècles (études - théories, discours, esthétiques).
Si l'histoire de l'art s'est depuis longtemps intéressée à ceux qui la pensent et l'écrivent, donnant matière à maints études et ouvrages de fonds (dictionnaires, essais, anthologie...), ce n'est que relativement récemment, depuis la toute fin des années 1980, qu'elle prend en compte les femmes à l'oeuvre dans la pratique et l'écriture de l'histoire des arts visuels.
Issu d'un colloque consacré aux historiennes de l'art à l'époque de Juliette Récamier, cet ouvrage explore et donne à voir les carrières, les postures et les points de vue de femmes sur l'art durant une petite centaine d'années - de 1760 à 1840, période d'intenses bouleversements dans toute Europe -, faisant se confronter des regards français, anglais et allemands de praticiennes comme Élisabeth Vigée-Lebrun, de salonnière et romancière comme Marie d'Agoult ou Germaine de Staël, ou encore de restauratrice de tableaux, de journalistes ou de critiques d'art. Ces essais mettent en évidence la variété des écrits et des stratégies mises en place par les femmes pour s'octroyer une place - elle-même variable selon les cas - dans un univers essentiellement masculin.
