Artiste franco-américaine reconnue internationalement pour ses oeuvres engagées et colorées, tour à tour plasticienne, peintre et sculptrice, Niki de Saint Phalle (1930-2002) s'est également consacrée à l'écriture et a publié plusieurs ouvrages autobiographiques illustrés. En 1971, elle entreprend de raconter l'histoire d'un amour, en mots et en dessins, sous la forme d'un livre-objet qui se déploie en accordéon. My Love, ce livre d'artiste, rare et longtemps introuvable, est ici reproduit à l'identique de l'édition originale, telle que Niki de Saint Phalle l'avait imaginée.

Cinéaste, photographe, plasticienne... Agnès Varda a exploré de multiples modes d'expression pour dire la société avec une grande exigence esthétique. Témoin de son temps, elle le modèlera aussi en donnant une voix et un visage aux plus précaires, aux marginaux, aux révoltés, et participera activement à la lutte pour les droits des femmes. Laure Adler, son amie de longue date, retrace ici ce parcours exceptionnel dans un essai biographique riche et intime illustré par plus de 150 photographies issues des archives personnelles d'Agnès Varda, généreusement ouvertes par sa fille.

Le Musée Jacquemart-André met à l'honneur en 2025 l'artiste romaine Artemisia Gentileschi (1593 - vers 1656). Personnalité au destin hors norme, cette protagoniste de la peinture caravagesque est l'une des rares artistes femmes de l'époque moderne ayant connu de son vivant une gloire internationale et qui put vivre de sa peinture. À travers une quarantaine de tableaux, réunissant aussi bien des chefs-d'oeuvre reconnus de l'artiste, des toiles d'attribution récente, ou des peintures rarement montrées en dehors de leur lieu de conservation habituel, cette exposition met en valeur le rôle d'Artemisia Gentileschi dans l'histoire de l'art du XVIIe siècle.

L'exposition tend notamment à démontrer la profonde originalité de son oeuvre, de son parcours et de son identité, qui demeurent encore aujourd'hui une source d'inspiration et de fascination. L'histoire d'Artemisia traverse les siècles, et la lecture que l'on peut faire de son oeuvre - reflet de son vécu et de sa résilience - s'avère intemporelle et universelle. Lire la suite Fermer

Dans le cadre de la saison dédiée aux expositions historiques et patrimoniales, le Château de Tours présente une grande exposition inédite consacrée à Letizia Battaglia, grande photographe et photojournaliste italienne (1935-2022), célèbre pour ses oeuvres sur la mafia qui sévit en Italie dans les années 1970 et 1980.
Constitué de 4 essais - Walter Guadagnini (Camera), Monica Poggi (Camera), Melissa Harris (Aperture), et Marta Sollima (petite-fille de Letizia Battaglia) -, les quatre sections illustrent son combat contre la Mafia tout autant que son travail sur le corps féminin (qui rejoint d'ailleurs son combat contre la Mafia, la femme représentant pour elle l'espoir d'une société meilleure).
Une exposition coorganisée avec Camera - Centro Italiano per la Fotografia, Turin.

A vocation rétrospective, l'exposition « Gisèle Freund, une écriture du regard » s'attachera à présenter la nature protéiforme de l'oeuvre de cette figure majeure de la photographie du XXe siècle, qui fut à la fois praticienne et théoricienne de l'image, mais aussi femme engagée, aventurière et photographe pionnière.Trop souvent réduite à son impressionnante galerie de portraits de personnalités du monde de l'art et de la littérature, l'oeuvre de Gisèle Freund entretient pourtant un rapport beaucoup plus riche et complexe à la photographie, nourri d'une trajectoire singulière et fascinante dont l'exposition et le catalogue qui l'accompagne se feront l'écho.De sa jeunesse en Allemagne dans les années 1930 où elle s'oppose à la montée du régime nazi en militant à l'extrême-gauche, au portrait officiel du président de la république française en 1981, en passant par un doctorat défendu à la Sorbonne, un usage pionnier de la couleurs, un film réalisé au bout du monde durant l'exil, et une décennie dédiée à silloner l'Amérique Latine en tantque photo-reporter pour la célèbre agence Magnum, sa carrière couvre un vaste champ d'activités, où l'écriture a toujours occupé une place essentielle.Sociologue de formation devenue historienne de la photographie, et autrice de nombreux ouvrages, dont l'incontournable Photographie et Société, Gisèle Freund occupe en effet une position à part dans le monde de la photographie: celle d'une créatrice d'images qui n'a eu de cesse de réfléchir à leur sens et leur impact sur notre manière de percevoir le monde. Mettant en dialogue ses écrits avec ses images, l'exposition proposera un parcours thématique divisé en six chapitres, et jalonné de documents d'archives, de publications, d'objets personnels, d'extraits de films et, naturellement, d'une large sélection de photographies présentant le médium dans toute sa matérialité et son polymorphisme. Lire la suite Fermer

Rétrospective de la carrière de l'artiste japonaise, dont les oeuvres, des dispositifs in situ, combinent performances et installations dans une démarche plaçant le corps en son centre. Connue pour son art de l'enchevêtrement, C. Shiota explore à travers une pratique protéiforme les notions de temporalité, de mouvement, de mémoire et de rêve, en impliquant le spectateur.

À partir de mars 1941, Rose Valland, attachée de conservation au musée du Jeu de Paume, est l'unique témoin français des exactions perpétrées par une organisation culturelle du parti nazi dirigée par le ministre du Reich Alfred Rosenberg, sous l'autorité personnelle d'Adolf Hitler.
La mission principale de l'Einsatzstab Rosenberg (E.R.R.) consiste dans le repérage et la confiscation des collections d'oeuvres d'art juives - mais pas uniquement -, en France, Belgique, Luxembourg et Pays-Bas : le pillage des galeries d'art, des commerces d'antiquités et des habitations particulières mais également l'enlèvement de maints dépôts faits en banque. Grâce à Rose Valland, le quotidien ignoble de la spoliation apparaît ici au grand jour.

Cette nouvelle édition présente les notes manuscrites de Rose Valland (1898-1980) accompagnées d'un appareil critique et documentaire. Elle est enrichie d'un texte inédit de Emmanuelle Polack et Philippe Dagen.
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À l'occasion de son bicentenaire, le Musée national de la céramique de Sèvres organise une exposition
« Merveilles » qui renouvelle la présentation de ses collections et propose aux visiteurs un voyage en céramique surprenant et ludique. En eAet beaucoup d'oeuvres conservées dans le musée échappent aux classements traditionnels par matériau ou par époque et sont diAiciles à intégrer dans une typologie rigoureuse.
Le propos de cette exposition et du livre qui l'accompagne est donc d'abandonner une organisation rationnelle et de présenter la collection selon un mode thématique avec une dizaine de chapitres illustrés avec des sujets aussi variés que : le fantastique et le féérique, les précieux, les fleurs, les inattendus, ... Celui-ci permettra ainsi de célébrer le musée de façon originale en présentant des oeuvres inédites conservées dans les réserves du musée et rarement présentées au public. Un véritable « Cabinet de curiosités » qui séduira autant les connaisseurs du monde de la céramique qu'un plus vaste public sensible aux arts décoratifs et à l'artisanat d'art. Lire la suite Fermer

L'exposition « La Musée : une collection d'artiste(s) femme(s) » (titre provisoire) sera présentée au musée Sainte-Croix de Poitiers du 5 décembre 2024 au 4 mai 2025 (date de fin provisoire). Cette exposition présentera aux publics une collection d'oeuvres d'artistes femmes, dont une partie fait l'objet d'un don exceptionnel aux Musées de Poitiers. Cette collection est le fruit du travail d'une artiste qui s'attache à acquérir des oeuvres d'artistes femmes depuis la fin des années 1990. Elle rassemble aujourd'hui plus de 500 oeuvres crées par des artistes femmes ou des collectifs non-mixtes du 17e siècle à nos jours. Engagés depuis les années 1980 dans la valorisation des artistes femmes, les Musées de Poitiers confortent avec ce don leur identification à l'échelle nationale sur cet axe fort de leur politique scientifique. 310 oeuvres intègrent aujourd'hui les collections publiques de la ville de Poitiers, le reste de la collection faisant l'objet d'un dépôt pour étude. Cette exposition valorisera la démarche de cette artiste-collectionneuse ainsi que cette acquisition exceptionnelle pour les musées de Poitiers, en interrogeant les composantes principales de cette collection et le rôle d'une institution muséale dans la valorisation des artistes femmes. Lire la suite Fermer

Catalogue officiel de l'exposition Delacroix (1798-1863) au musée du Louvre du 29 mars au 23 juillet 2018.

Depuis l'exposition mémorial de 1963 au musée du Louvre, Eugène Delacroix n'a jamais fait l'objet d'une telle exposition monographique. Organisée en 2018 à Paris par le musée du Louvre, puis à New York par le Metropolitan Museum of Art, cette rétrospective inédite rassemblera près de 200 oeuvres, en majorité des peintures, dont la plupart sont des chefs-d'oeuvre du peintre.

Si les oeuvres et les activités de Delacroix sont connues, il reste encore beaucoup à comprendre sur la manière dont Delacroix a dirigé sa création. Il travaille un peu plus de quarante années (de 1821 à 1863), mais les peintures qui font sa célébrité ont pour la plupart été produites durant la première décennie. C'est le temps des coups d'éclat au Salon et des audacieuses lithographies romantiques. Souvent cité comme ancêtre des coloristes modernes, Delacroix décrit en réalité un parcours parfois peu compatible avec la seule lecture formaliste de l'histoire de l'art du XIXe siècle.

Le présent projet adopte un point de vue volontairement synthétique et subjectif ; il propose une vision des motivations susceptibles d'avoir inspiré et dirigé l'activité picturale du peintre au fil de sa longue carrière, déclinée en trois grandes périodes. La première décennie est placée sous le signe de la rupture avec le système néoclassique, au profit d'un recentrement sur les possibilités expressives et narratives du médium pictural dans un contexte de crise de la peinture d'histoire traditionnelle ; la seconde partie cherche à évaluer l'impact du grand décor public, principale activité de Delacroix dans les années 1835-1855, dans sa peinture de chevalet où s'observe une tension entre le monumental et le décoratif ; enfin, les dernières années semblent dominées par une forte attraction pour le paysage, tempérée par un effort de synthèse personnelle rétrospective.

Ces clés interprétatives permettent de proposer une classification renouvelée qui dépasse le simple regroupement par genres ainsi que le clivage romantique classique, et ménagent des effets de contrastes. Elles permettent enfin de placer la production picturale de Delacroix en résonnance avec les grands phénomènes artistiques de son temps : le romantisme certes, mais aussi le réalisme, les historicismes, l'éclectisme.

Ce catalogue est une coédition Hazan/Editions du Musée du Louvre. Lire la suite Fermer

Mouvement provocateur et dynamique, le Surréalisme déclenche au 20ème siècle un renouvellement esthétique et éthique. Les hommes ne sont pas les seuls à avoir rendu vivants ce courant et ses transgressions : de nombreuses femmes en furent des actrices majeures mais néanmoins mésestimées par les musées et minorées par le marché de l'art.
Le Surréalisme offrit à celles-ci un cadre d'expression et de créativité qui n'eut sans doute pas d'équivalent dans les autres mouvements d'avant-garde. Pourtant, c'est souvent en s'appropriant et en étendant des thèmes initiés par les « leaders » du mouvement qu'elles exprimèrent leur liberté. C'est aussi en se dégageant de ce qui devint parfois une doxa surréaliste qu'elles s'affirmèrent. « Tout contre » le Surréalisme, c'est ainsi que l'on pourrait définir leurs positions diversifiées et complexes à l'égard du mouvement.
Des années trente aux années soixante-dix, le surréalisme féminin forme des constellations éphémères, au gré de ralliements au mouvement souvent temporaires mais aussi d'amitiés qui se nouent hors de ce cadre. L'imaginaire de ces artistes n'est pas aligné sur celui des figures masculines du mouvement. Leurs pratiques, fréquemment interdisciplinaires - picturales, photographiques, sculpturales, cinématographiques, littéraires... - expriment leur volonté d'échappées belles au-delà des normes hétérosexuelles et des frontières géographiques.
C'est une cartographie d'un mouvement éclaté et mondialisé que l'exposition esquisse en évoquant les foyers belge, mexicain, britannique, américain, praguois et français du Surréalisme que ces femmes ont enrichis, passant parfois de l'un à l'autre. Lire la suite Fermer

De février à mai 2022, la Fondation Cartier pour l'art contemporain consacre une grande exposition à Graciela Iturbide, figure emblématique de la photographie latinoaméricaine. Travaillant principalement en noir et blanc dans son pays natal, le Mexique, Graciela Iturbide s'intéresse à la cohabitation entre traditions ancestrales et rites catholiques, ainsi qu'à la relation de l'homme à la mort. Elle dédie également une part importante de ses photographies aux femmes et à leur place au sein de la société. Ces dernières années, ses prises de vues se sont vidées de toute présence humaine, révélant le lien fort qui l'unit aux choses, à la nature et aux animaux. À travers plus de 200 photographies, l'exposition et le catalogue réalisé à cette occasion présentent des oeuvres iconiques et une importante sélection de photographies inédites de Graciela Iturbide, ainsi qu'une série d'images couleur commandée spécialement par la Fondation Cartier, dévoilant ainsi une oeuvre sensible, poétique et humaniste.
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Catalogue consacré à la descendance de madame de Sévigné, qui se décline jusqu'à la fin du XVIIIe siècle en six générations de femmes qui ont voué un culte à leur ancêtre et été à la confluence des arts, des lettres et du pouvoir. A travers une sélection de portraits, de souvenirs, de lettres et d'oeuvres liées à ces femmes, il offre un parcours intime et incarné au gré des générations.

Futuro-Arab invite à rentrer de plain-pied dans le monde onirique de l'anticipation arabe. Cet ouvrage ouvre la porte vers de nouvelles formes d'inconnu et témoigne de la richesse esthétique, intellectuelle et narrative de la science-fiction dans le monde arabe et ses diasporas.

Il accompagne l'exposition éponyme qui présentera plus de 20 artistes vidéastes, plasticiens, performeurs, qui renouvellent les perspectives, redéfinissent les identités et cherchent à offrir des nouveaux possibles au réel.

Mondialisation, modernité, écologie, migrations, genre et décolonisation sont quelques-uns des sujets de prédilection de cette scène dans laquelle les artistes utilisent des motifs de la science-fiction ou du fantastique pour remettre en cause les certitudes et les acquis.

Au-delà de la présentation des oeuvres exposées et de la démarche artistique de chacun, cet ouvrage est une introduction aux recherches les plus actuelles sur les créations SF et les nouvelles narrations présentes dans tous les champs de l'art et portées par les artistes de culture arabe.

Des chercheurs et des universitaires francophones, anglophones et arabophones, spécialistes des sciences sociales, de linguistique, de littérature, de cinéma ou d'arts plastiques, de culture classique autant que contemporaine, ont été convié à écrire des textes qui viennent éclairer cette tendance forte et peu connue en France de l'art contemporain arabe. Lire la suite Fermer

Une artiste audacieuse qui a défié les conventions de son époque
Cet ouvrage, réalisé sous la direction d'Anne-Marie Bouchard, accompagne l'exposition "Helen McNicoll. Un voyage impressionniste" du Musée National des Beaux-Arts du Québec, consacrée à cette exceptionnelle artiste canadienne (1879-1915). En un temps où les femmes sont souvent cantonnées dans la sphère domestique, Helen McNicoll se distingue par sa liberté d'esprit et sa passion du voyage. Elle peint de préférence en plein air, de façon à mieux restituer la lumière et l'atmosphère des lieux qu'elle parcourt. Ses sujets de prédilection sont des scènes de la vie quotidienne, où l'accent est souvent mis sur le labeur féminin, dont elle propose une interprétation quelque peu différente de celle de ses contemporains impressionnistes, masculins pour la plupart.
L'exposition présente plus de 60 de ses oeuvres, provenant de différentes collections, dont 25 de celle de Pierre Lassonde. Le catalogue explore, à travers les oeuvres exposées, des sujets tels que l'amitié, le courage, l'indépendance et la liberté des femmes, dans le contexte du mouvement suffragiste britannique au début du XXe siècle. Ce volume offre une occasion précieuse de redécouvrir une artiste qui a su défier les conventions de son époque et a laissé une empreinte indélébile dans le paysage artistique canadien.
Exposition au Musée National des Beaux-Arts du Québec, du 20 juin 2024 au 5 janvier 2025 Lire la suite Fermer

L'exposition «La Haute Note jaune» conçue par Bice Curiger présente des artistes qui explorent, avec une liberté immense et des moyens d'expression personnels, la peinture en tant que médium permettant d'interroger les fron-tières.
Dans une lettre souvent citée qu'il écrit à son frère Theo, Vincent van Gogh déclare avoir atteint durant l'été 1888 la «haute note jaune» dans sa pein-ture, et évoque combien il lui a été difficile d'en arriver là.
Métaphore désignant un état d'âme nécessaire à la création, cette «haute note jaune» décrite par Vincent constitue également un objectif pictural et artistique. C'est pourquoi cette exposition de la Fondation Vincent van Gogh Arles ne présentera pas que des tableaux jaunes, mais des oeuvres qui révèlent l'état particulier entretenu par certain·es artistes face au réel afin d'y puiser les intuitions nécessaires à leurs pratiques, comme un·e interprète lyrique ten-terait d'obtenir la plus haute note qui lui soit possible d'atteindre avec sa voix.
La «haute note jaune» n'est pour autant pas uniquement un objectif tech-nique, ni seulement l'accomplissement personnel d'un·e artiste face à sa pratique. Elle décrit aussi un désir d'expressivité qui pourrait atteindre ses propres limites, sur le plan formel, idéel ou émotionnel, dans la jubilation heureuse ou dans la douleur et ce, jusqu'à l'explosion - comme dans l'aria de la Reine de la Nuit dans l'opéra La Flûte enchantée de Mozart : «La vengeance de l'Enfer bout dans mon coeur».
Van Gogh lui-même complète sa déclaration dans sa lettre par des vers du poète néerlandais Petrus Augustus de Génestet, issus de La Voie du coeur : «Je suis attaché à la terre / avec des liens plus que terrestres». Nous connais-sons la manière dont Vincent a toujours pensé sa peinture en regard de la terre fertile et du ciel ; mais la foi de Van Gogh en la peinture seule ne résonne-t-elle pas dans ces vers? Et pourrait-on remplacer «terre» et «ter-restre» par «peinture» et «pictural»?
Le catalogue
Cette nouvelle publication bilingue proposera la reproduction de toutes les oeuvres exposées, accompagnées d'un ensemble de textes éclectiques qui permettront d'éclairer et d'ouvrir les perspectives offertes par l'exposition - avec une introduction de la commissaire d'exposition Bice Curiger, deux essais inédits de l'écrivaine et plasticienne Fabienne Radi et du sociologue Nikolaj Schultz, et un long poème de Christian Prigent. Lire la suite Fermer

Figure majeure d'un art engagé et féministe américain, depuis les luttes pour les droits civiques jusqu'à celles des Black Lives Matter, auteur de très célèbres ouvrages de littérature enfantine, activiste militante, Faith Ringgold a développé une oeuvre qui forme un pont unique entre le riche héritage de la Harlem Renaissance et l'art actuel des jeunes artistes africains-américains. Elle mène, à travers ses relectures de l'histoire de l'art moderne, un véritable dialogue artistique et critique avec la scène artistique parisienne du début du xxe siècle, notamment avec Picasso et ses Demoiselles d'Avignon, qui trouve, au musée Picasso de Paris, un cadre particulièrement emblématique pour cette première exposition en France consacrée à cette artiste new-yorkaise.

Conserver les objets reste certes une des missions premières du musée, mais il ne s'agit plus tant aujourd'hui de transmettre un patrimoine matériel qu'un ensemble de récits qui font société. Spécifique à la culture européenne, le musée cristallise des enjeux contemporains. On lui confie la lourde charge d'écrire une histoire collective, souvent au service d'une culture nationale - comme hors du temps et des remous de l'actualité - tout en recueillant des paroles singulières. Mais ce récit culturel est contesté, dans ses contenus et sa forme même.

Par le voyage, l'oeuvre de Kimsooja traverse les frontières géographiques et, parce qu'elle ne se refuse aucun medium, les frontières artistiques également. En artiste nomade attachée aux questions de l'exil, de la mémoire collective et de l'espace urbain, celle qui se proclame « femme aiguille » (A Needle Woman est l'une de ses vidéos emblématiques) se faufile entre les mailles et met à jour le tissu social et culturel des lieux qu'elle traverse. Le travail singulier de l'artiste sud-coréenne connaît un essor international dès la fin de ses études de peinture à Séoul et de gravure à Paris. Ses premières oeuvres font appel au tissu, son matériau de prédilection, du fait de ses possibilités plastiques, de sa connotation culturelle et de son ancrage dans une pratique traditionnelle. À partir de la fin des années 1990, elle entreprend un travail entre performance et vidéo, documentant les espaces et les foules au milieu desquels elle demeure figée, allongée ou de dos, conciliant voyage et immobilité. Après Bertrand Lavier, Anri Sala et Edith Dekyndt, Kimsooja s'empare des vitrines du Passage de la Bourse de Commerce. Devenues par nature l'un des dispositifs de prédilection des expositions universelles, c'est justement pour la reconfiguration du bâtiment - d'une ancienne halle à une bourse d'échanges - conduite pour celle de 1889 que les vitrines en place aujourd'hui furent installées.

« Artiste du déplacement, des traversées et d'un nomadisme fondateur, depuis son voyage en camion de onze jours - juchée sur des ballotins de fortune à travers la Corée -, Kimsooja dépose dans la Bourse de Commerce une constellation d'oeuvres couvrant près de quarante ans de sa pratique d'artiste, comme elle poserait ses bagages après un long voyage, pour habiter pour un temps dans sa trajectoire infinie ce bâtiment singulier. Nourrie de philosophies orientales, donnant forme et vie à des oeuvres qui ne sont pas des choses inertes mais des présences immatérielles flirtant avec l'invisible et l'éphémère, elle met en mouvement des oeuvres souvent sphériques, grains de sable ou graines de lin, billes de porcelaine ou de glaise, bottaris de tissus et moon jars lunaires aux couleurs de terre. »

Emma Lavigne, extrait du texte du leporello.

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