Des pigments ornant les grottes préhistoriques aux néons lumineux de Dan Flavin en passant par les monochromes d'Yves Klein et les créations de Véronèse, Van Gogh, Delaunay, Warhol et Rothko, cet ouvrage explore à travers 60 chefs-d'oeuvre, l'histoire, les matériaux et la symbolique des couleurs à travers les siècles et les cultures. Accessible, concis et richement illustré, le livre nous explique les quand, comment et pourquoi de l'évolution des couleurs.

Réunir les bouts du monde est une rencontre avec des oeuvres artistiques, littéraires et critiques, étatsuniennes et caribéennes, qui portent en elles la mémoire de l'esclavage transatlantique. En invoquant les artistes, écrivains et intellectuels qui ont fondé leur pratique sur la rupture irréversible provoquée par les quatre siècles de commerce triangulaire, Elvan Zabunyan questionne ce que cette histoire continue de produire aujourd'hui. Les oeuvres artistiques sont ici invoquées comme autant de sources primaires revisitant les réalités et les imaginaires. L'histoire de l'esclavage et du post-esclavage représente pour les artistes évoqués un moteur fédérateur de leurs productions, révélant une généalogie afro-descendante commune qui renforcerait les solidarités. La survivance des traces mémorielles et leur transmission, quelles que soient les appartenances et les expériences, est liée à une volonté philosophique et politique partagée, faisant du dispersement et de la fragmentation une question éminemment esthétique. Les oeuvres d'art sont dès lors pensées comme des traits d'union entre les différentes cultures et adoptent une fonction critique. En pointant les violences et les souffrances de ces expériences individuelles et collectives, elles permettent de reconstituer des pans chancelants de cette histoire. Les artistes et les écrivains dont les oeuvres émaillent le récit d'Elvan Zabunyan s'emparent ainsi d'un legs culturel pour en faire le matériau de leurs travaux, tout en menant une analyse des conditions politiques qui définissent cet héritage. En convoquant des artistes contemporains tels que Renée Green, Isaac Julien, Arthur Jafa, Ellen Gallagher ou Carrie Mae Weems aux côtés de figures ayant fait l'expérience de l'esclavage telles que Sojourner Truth, Frederick Douglass et Harriet Jacobs, l'autrice tisse une histoire située de l'esclavage, ancrée dans les études post-coloniales et une histoire de l'art soucieuse de l'influence des affects. Lire la suite Fermer

Les 27 m2 du tableau "Guernica" de Pablo Picasso, roulés sur un axe et calés dans une longue caisse en bois, ont beaucoup voyagé, traversant l'Atlantique à plusieurs reprises. Pourquoi une telle oeuvre d'art, que ses dimensions monumentales auraient du contraindre à un destin moins voyageur, a-t-elle circulé pendant près d'un demi-siècle avec autant d'intensité ?

À l'été 1545, "La Déploration sur le Christ mort" de Bronzino a quitté le calme d'une chapelle florentine pour la compagnie d'hommes qui ne pensent « qu'à la guerre sans avoir un poil qui pense à la paix » (Machiavel). Ce tableau, aussi audacieux que troublant, est l'objet d'un cadeau diplomatique grandiose entre puissants de l'Europe du XVIe siècle. Ce présent est-il un sacrifice ou un soulagement ? Cet épisode de la vie d'un chef-d'oeuvre du maniérisme éclaire la fonction de l'art au service du pouvoir.

« En octobre 2015, alors que j'assistais à une rétrospective artistique majeure à Londres, j'eus une révélation. En regardant autour de moi, je réalisai qu'aucune oeuvre d'une femme artiste n'était exposée. Me vint alors cette question : pouvais-je nommer vingt noms de femmes artistes sans y réfléchir ? La réponse était non. Avais-je exclusivement étudié l'histoire de l'art à travers un prisme masculin ? La réponse était oui. » Combien de femmes artistes connaissez-vous ? Qui « fait » l'histoire de l'art ? Est-ce que les femmes étaient reconnues en tant qu'artistes avant le xxe siècle ? Qu'est-ce que le baroque au bout du compte ?
Découvrez la flamboyante Sofonisba Anguissola à la Renaissance, l'oeuvre radicale de l'Américaine Harriet Powers au xixe siècle et l'artiste qui a réellement inité le mouvement du ready-made incarné par Marcel Duchamp. Explorez l'âge d'or néerlandais, le travail étonnant des artistes d'après-guerre en Amérique latine, et les femmes qui ont impulsé l'art en 2020.
Des Cornouailles jusqu'à Manhattan en passant par le Nigeria et le Japon, voici l'histoire de l'art comme elle n'a jamais été racontée auparavant. Suivant un ordre chronologique mais sans adopter la grille de lecture occidentale des mouvements artistiques et événements politiques, L'Histoire de l'art sans les hommes redéfinit les canons traditionnels en mettant en lumière l'oeuvre d'artistes exceptionnelles qui ont repoussé les frontières et osé défier une pratique artistique dominée par les hommes. Lire la suite Fermer

De la patiente Pénélope à l'invincible Wonder Woman, de laa cruelle Médée poignardant ses enfants à la pieuse Geneviève protégeant Paris, de la reine Elisabeth 1re à la révolutionnaire Olympe de Gouges, de la guerrière Mulan à l'amoureuse Juliette, de la militante Rosa Parks à la figure républicaine de Marianne, qui sont ces héroïnes qui peuplent l'imaginaire des artistes ?

Ça, c'est de l'art, une collection pour (re)découvrir les artistes et les couleurs en 40 notices illustrées :
- Une sélection précise d'oeuvres incontournables et inattendues - Des repères visuels clairs : chronologies, cartes, graphiques - Des encadrés variés : anecdotes, mises en contexte, influences

Si les femmes ont toujours été présentes dans l'histoire de l'art, elles ont longtemps été oubliées et cantonnées à des rôles de muses ou de modèles. Mais c'était sans compter avec le talent et l'audace de certaines d'entre elles qui se sont affranchies des codes en défiant les règles et en repoussant toujours plus loin les limites afin d'ouvrir les portes d'un nouvel univers sans frontière et sans interdit.

De Martine Aballéa à Sophie Calle, en passant par Nan Goldin, Tracey Emin, Yoko Ono, Orlan, Cindy Sherman, Lee Bul... autant de profils atypiques et de représentantes emblématiques dont la seule raison d'être est de toujours se réinventer.

Richement illustré, cet ouvrage retrace et analyse le parcours de figures majeures féminines du monde entier. D'où vient leur inspiration ? Quel procédé et technique utilisent-elles ? Quelles sont leurs oeuvres emblématiques ? Lire la suite Fermer

Cet ouvrage écrit par la critique d'art et autrice Anaïd Demir nous propose de plonger dans le passionnant combat mené par les femmes artistes pour obtenir le droit d'étudier à l'École des Beaux-Arts de Paris, au même titre que les hommes.
De la fin du XIXe siècle à nos jours, à travers de formidables portraits d'artistes aussi talentueuses que déterminées, on suit les différentes étapes de la conquête de l'École des Beaux-Arts par les femmes.
De Mme Léon Bertaux, la sculptrice à l'origine de ce combat acharné qui démarre en 1880, à Alexia Fabre, première femme accédant à la direction de l'École des Beaux-Arts en 2021, en passant par Isabelle Walderg, première cheffe d'atelier à partir de 1973... cet ouvrage nous apprend comment, en plus de deux siècles, ces femmes ont réussi à faire valoir progressivement leurs droits et leur existence dans le champ artistique.

Premières candidates aux concours d'entrée de l'École, premières étudiantes, premières lauréates du Prix de Rome en séjour à la Villa Médicis..., nous découvrons une série de portraits d'artistes exemplaires, trop longtemps oubliées des livres d'histoire.

Cet ouvrage, très richement illustré de documents photographiques, présente les portrait de ces « suffragettes des Beaux-Arts » accompagnés de certaines de leurs oeuvres, mais également de vues d'atelier, ou des premiers cours de dessin d'après modèle vivant. Il est le premier à aborder de manière à la fois historique et littéraire cette question fondamentale de l'enseignement artistique à l'École des Beaux-Arts de Paris. Lire la suite Fermer

She-Bam Pow Pop Wizz ! retrace l'histoire ouverte d'une génération de femmes européennes et nord-américaines qui ont contribué avec audace et flamboyance au pop international. Leurs oeuvres, à l'image des bandes dessinées, regorgent de couleurs arc-en-ciel et vibrantes. Par des voies plurielles, elles envisagent un monde autre, aux formes rêvées, et parient sur la construction d'un monde meilleur. Love is all we need !

« Que seraient devenus Mahler, Fellini, Hitchcock, Nabokov, Picasso, Dali, Fitzgerald, Bonnard, Cézanne et bien d'autres, sans Alma, Giulietta, Gala, Vera, Olga, Dora, Zelda, Marthe, Hortense ? Inspiratrices, muses ou modèles, collaboratrices, gouvernantes, conseillères, garde du corps, créatrices se sacrifiant pour le grand homme, ou rebelles intransigeantes ne lui cédant rien, préférant la provocation stimulante. D'une manière générale, elles furent toutes de formidables complices de créateurs, formant avec eux des couples mythiques tels Jean Tinguely et Niki de Saint Phalle, Frida Khalo et Diego Rivera, Dora et Picasso, Signoret et Montand, ou des duos moins connus tels Bonnard et Marthe, Cézanne et Hortense, Pollock et Lee Krachner, Nabokov et Vera qui sauva Lolita des flammes.
Femmes d'artistes et femmes artistes. Avant de nous quitter brutalement, Antoinette Fouque m'avait suggéré ce thème en me demandant cependant de bien réfléchir avant de me « jeter à l'eau », comme si j'allais m'embarquer dans une aventure périlleuse. Mais c'est exactement ce qu'il fallait me dire. Depuis mon petit rocher des certitudes, je me suis donc « jetée à l'eau » en pensant qu'elle se trouvait là à quelques mètres. Illusion. J'étais devenue Alice tombant dans un trou sans fond, plongeant dans une histoire sans fin, sautant des années 30 aux années psychédéliques, du Versailles de Vigée le Brun au Mexique de Frida, du Cinecitta de Masina à Hollywood en compagnie de Scott Fitzgerald. Je m'endormais l'hiver à New York chez Gena Rowlands, me réveillais à Meudon devant Camille Claudel, dînais à Montparnasse face à Giacometti ou Aragon je ne sais plus. Tout se mélangeait. Coupez !
Antoinette Fouque avait raison, l'affaire n'était pas un baiser d'amourette. Mais de ce voyage infernal dans le temps et dans l'espace au travers d'univers puissants de créateurs géniaux et libres, je suis revenue riche d'impressions et d'images. Je les ai ensuite répertoriées, triées, revues, piratées, remises en scène, parfois cruellement, parfois avec humour, avec pour unique volonté de mettre en lumière le rôle de ces femmes d'exception. » C.L.C.

L'auteure a finalement retenu pour ce beau livre une quarantaine de portraits « signifiants », accompagnés d'un court texte de présentation.
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Publié en 1981, Maîtresses d'autrefois, ouvrage fondateur de Rozsika Parker et Griselda Pollock, ne propose pas une histoire de l'art au féminin. Son projet est bien plus radical, émancipateur et, de fait, toujours pertinent aujourd'hui. Il s'intéresse tout autant à ce que l'histoire de l'art, en tant que discipline et idéologie, a fait et fait encore aux artistes femmes et à leurs oeuvres qu'à ce que leurs pratiques font ou pourraient faire à l'histoire de l'art, si elles étaient pleinement étudiées et considérées.
Les cinq parties du livre associent études de cas approfondies - de Sofonisba Anguissola et Berthe Morisot à Meret Oppenheim et Mary Kelly -, analyses des structures de la production artistique, tels l'opposition idéologique entre art et artisanat ou les stéréotypes assignés à « l'essence féminine », et développements vigoureux sur la manière orientée dont la discipline « histoire de l'art » s'est forgée, socialement et symboliquement. Les autrices offrent ainsi une recherche salutaire à toutes celles et tous ceux qui, avec elles, ne veulent pas seulement ajouter des noms féminins à l'histoire de l'art mais en modifier en profondeur l'écriture. Traduit pour la première fois en français, l'ouvrage est introduit par l'historienne de l'art Giovanna Zapperi et bénéficie d'une préface récente de Griselda Pollock, ancrant résolument Maîtresses d'autrefois dans le présent. Lire la suite Fermer

Art immersif, résistance poétique, oeuvres contemplatives, de nouvelles formes d'arts sensibles prennent une importance croissante dans le paysage artistique contemporain. Elles s'inscrivent dans une tendance plus large d'émergence d'une nouvelle conscience, d'un autre rapport au monde, respectant le vivant, réinterprétant des gestes ancestraux. Ces créations portent en elles une résistance contemplative face à un monde de plus en plus matériel, qui impose à chacun de s'oublier pour être plus performant.
Ce livre est à la fois un dialogue entre les deux auteurs, donnant des clés de compréhension de cette nouvelle sensibilité spirituelle dans les arts, et un manifeste proposant quelques principes fondateurs d'une résistance contemplative. Le Manifeste permet de mieux cerner l'enjeu de ces oeuvres, leur rôle pour nous aider à imaginer un monde nouveau, leur proposition pour trouver une place dans nos sociétés en mutation, en retrouvant l'espérance par une autre façon d'être humain parmi les vivants.


Soizic Michelot est auteure et enseigne la méditation à la faculté, à l'hôpital et auprès du grand public. Après des études d'histoire de l'art, de littérature et de cinéma, elle passe sept ans dans un monastère bouddhiste. Elle a notamment publié Méditer à travers l'art - 100 oeuvres pour faire l'expérience de la pleine conscience (Albin Michel, 2021).
Philippe Filliot est agrégé d'arts plastiques à l'Université de Reims, titulaire d'un Master en Littérature, docteur en Sciences de l'éducation et chargé de cours à Paris 8 sur la spiritualité. Il est également auteur et professeur formateur de yoga. Il a publié notamment : Les 50 mots essentiels de la spiritualité (Albin Michel, 2022), Être vivant, méditer, créer (Actes Sud, 2016).
Ensemble ils dirigent la collection Résonances, regards sur le renouveau contemplatif dans l'art contemporain. Ce titre est le premier de la collection. Lire la suite Fermer

Aujourd'hui, la question de la présence des femmes dans l'art s'impose peu à peu comme un débat incontournable. Quelle place occupent-elles réellement dans ce milieu professionnel ? Qu'il s'agisse de la visibilité des artistes femmes dans les lieux d'exposition, l'espace public, les musées ou sur la Toile, du rôle des femmes au sein des écoles et des universités, de la parité femmes-hommes dans le secteur culturel, ou encore de la représentation des minorités de genre sur la scène artistique, les problématiques sont complexes et imbriquées.
Cette publication met en lumière la multiplicité des enjeux à travers une série d'entretiens issus d'un cycle de douze tables rondes intitulé "Art : genre féminin" et organisé entre 2017
et 2019 par des étudiant·e·s du master Sciences et Techniques de l'Exposition de l'université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, sous la direction de Françoise Docquiert, avec l'association
AWARE : Archives of Women Artists, Research and Exhibitions et la Monnaie de Paris. Ces rencontres ouvertes au public ont réuni trente-cinq personnalités, dans le but d'interroger
les raisons de la marginalisation des femmes dans l'histoire et le monde de l'art et de réfléchir
aux manières de remédier à ce manque de visibilité systémique. Lire la suite Fermer

Dans l'opéra Wozzeck, on peut entendre ce verset, qui dit à la fois le génie et la folie " L'homme est un abîme, la tête tourne quand on regarde au fond.
" Cet album est consacré à ceux qui ont affronté " l'angoisse atroce, despotique ", ce " drapeau noir " dont parlait Baudelaire avec effroi. Artistes, amants, despotes, mystiques, ils ont été disloqués par la passion. Leur combat intérieur nous fascine, car leur démesure est aussi la nôtre. Ce livre d'art et d'émotion est également une " petite histoire de la psychiatrie et de ses médecines " qui retrace la grande aventure de l'exploration scientifique de la folie.

Dans son histoire, la performance a été en grande partie investie par les femmes. Les modes de visibilité et d'exposition de soi qu elle mobilise permettent de dessiner un espace en creux, où les femmes artistes peuvent physiquement et conceptuellement se livrer à une remise en question de leur propre condition, invitant à réexaminer les cadres sociétaux, historiques, culturels et anthropologiques.
Les contributions réunies dans cet ouvrage mettent en lumière une nouvelle histoire des savoirs féminins actuels ou ancestraux, qu'ils soient de l'ordre de l'intime, du médical, du rituel, du domestique ou de l'artisanal. Avec en toile de fond ses liens étroits avec les revendications du militantisme féministe, la performance y apparaît, dans toute sa force agissante et profondément réformatrice, comme outil de contestation et de prise de pouvoir permettant aux artistes femmes de s'affirmer en tant que sujets. Lire la suite Fermer